"Aterraxe!" Paseino moi ben vendo e revisando a historia do asasino slasher temático do fútbol Smashmouth en The Once And Future Smash Zona final 2 Cheguei a man aos cineastas que estaban detrás do sabueso. Falar con Sophia Cacciola e Michael J. Epstein deu unha visión máis detallada dunha función dobre de concepto tan elevado e, a continuación, algunha.

Cales son os teus antecedentes como cineastas?

Os dous medramos amando o cine e facendo películas cos nosos amigos en videocámaras VHS, pero despois cambiamos o noso foco na música. Traballamos con outros directores para facer vídeos musicais para as nosas bandas, que acabaron tendo bastante éxito! A banda de Michael, The Motion Sick, tivo o vídeo musical da súa canción "30 Lives" nas cadeas máis pequenas de MTV, e acabou en varios xogos de Dance Dance Revolution. O vídeo da banda de Sophia, Do Not Forsake Me Oh My Darling para "Episode 1 - Arrival", foi presentado en TIME como o mellor vídeo do ano. 

Démonos conta de que queriamos facer máis vídeos, así que compramos unhas cámaras dixitais baratas e puxémonos. Unha cousa levou a outra, e dentro dun ano aproximadamente, estabamos facendo a nosa primeira longametraxe. 

Cal foi a inspiración para The Once And Future Smash e End Zone 2? Cal foi primeiro?

Estamos fascinados pola explosión da cultura fandom do terror. Non nos gusta especialmente ir a convencións nin recoller sinaturas, pero pensamos que hai unha comunidade marabillosa e incrible que rodea todo isto. Tamén hai todo tipo de políticas interesantes sobre as relacións entre actores. Escoitamos historias sobre disputas sobre quen realmente interpretou papeis enmascarados que son difíciles de confirmar en certas películas e pensamos que podería ser un punto de entrada interesante para a narración do mundo das convencións.

Michael estaba falando co noso amigo Neal Jones, que leva moito tempo facendo o podcast Without Your Head e entrevistou a case todos con horror. Neal mencionou que un dos seus antigos convidados queixouse cando anunciou un próximo convidado porque tiñan un desacordo público sobre quen merece crédito polo papel enmascarado que ambos desempeñaron. Michael mencionoulle a Neal que tiña un concepto de guión para unha historia así, pero que non tiña plans de escribila porque iso implicaría acceder a unha convención e a outros costosos elementos de produción.

Neal rexistrouse cos seus amigos na convención da Mad Monster Party, quen rapidamente aceptaron permitir que Neal filmara alí. Neal e Michael pensaron en quen quererían elixir na película, e as dúas primeiras persoas que se lles ocorreron foron Bill Weeden e Michael St. Michaels. Sen guión, preguntámoslles aos dous se lles interesaría o concepto e rodar en Mad Monster. Isto foi a finais de xullo de 2019. Sabiamos que teriamos que rodar en Mad Monster en febreiro de 2020, polo que Michael púxose a escribir o guión o máis rápido posible mentres Neal comezaba a pensar cal dos seus antigos convidados lle gustaría formar parte del. . 

Tamén sabiamos que teriamos que filmar End Zone 2 antes da convención para poder ter fotografías e outros materiais para o deseño de produción, polo que planeamos a produción en decembro de 2019. Escribimos un esquema para End Zone 2 e despois introducimos o noso amigo Brian W. Smith para escribir un borrador inicial do guión real. Conseguimos isto a principios de outubro e rodamos End Zone 2 nunha semana en decembro de 2019. 

Como xurdiu Smash-Mouth e o seu deseño/fondo como personaxe slasher? Incluíndo o seu eslogan de sinatura de "Touchdown!"?

Sabiamos que queriamos facer a película, pero non tiñamos idea de cal sería a película dentro da película. Queriamos un personaxe icónico que puidese ter influencia hipotética en todas as iconas de slasher principais. Sabiamos que queriamos algo realmente exagerado en canto a aparencia e personalidade. 

Fixemos unha tormenta de ideas sobre nomes con palabras como "cortar" e "matar", e Sophia dixo: "Boca destrozada" en broma. Rimos e despois pensamos que era un nome divertido, e tamén dá a característica visual de ter un rostro partido. Entón, buscamos a orixe do termo e decatámonos de que se refería a xogar ao fútbol duro e enfrontado: fútbol de boca esmagada! A partir de aí, todo saíu como unha bola de neve: mandíbula rota, xogador de fútbol, ​​"toque de terra!"

Sinceramente, non nos gusta o fútbol nin sabemos moito de fútbol, ​​pero investigamos moito sobre a historia da roupa e os uniformes de fútbol. Namorámonos do aspecto de coiro e elaboramos a historia arredor diso. Queriamos que End Zone 2 fose unha película "contemporánea" de 1970, pero pensamos que End Zone 1 podería ter sido ambientada nun período no que se usaban cascos de pel. Soubemos que foron abandonados profesionalmente ao redor de 1950, pero pensamos que quizais un pequeno instituto os usaría máis aló, e decidimos que podíamos establecer a End Zone 1 en 1955 e facelo 15 anos antes da End Zone 2 cronoloxicamente. Reunimos un uniforme vintage e un casco (bastante caro) de eBay e Etsy.

Isto tamén nos permitiu saír do casting de persoas en idade de secundaria na película e centrarnos no tipo de trauma de supervivencia que teñen moitas "mozas finais" slasher nas secuelas. Tamén lle deu a Smash-Mouth unha especie de calidade etérea e fóra do seu tempo. O pasado segue perseguíndoos a todos. 

Para a máscara, tivemos a gran sorte de poder traer ao artista de FX Joe Castro. Traballamos con el para pensar realmente como sería unha máscara emblemática se se fixera a finais dos anos 60. Necesitaba sentirse vivo pero tampouco ter mobilidade. Joe fixo múltiples conceptos e probou unha variedade de materiais antes de decidirse coa máscara perfecta, que realmente é o que deu vida ao personaxe. 

¿Algo se inspirou nas túas propias experiencias en convencións de terror?

Michael definitivamente intentou capturar tantas experiencias de convención incómodas e divertidas como puido no guión. Queriamos que todo fose satíricamente familiar para os asistentes á convención. Tamén aproveitamos as oportunidades que xurdiron na convención. Por exemplo, o concurso de disfraces non estaba no guión porque non o sabiamos. Descubrimos que o noso amigo, James Balsamo, estaba anfitrión, e preguntámoslle se podíamos entrar en AJ vestidos de Smash-Mouth e simplemente facerlle perder mal. Iso foi o único que lle demos a James.

Como podes ver na película, James REALMENTE foi á cidade co pobre AJ O caso é que a multitude xigante non tiña idea de que era para unha película, e realmente pensaron que James o estaba intimidando. Moita xente acudiu a James despois para berrarlle e despois a AJ para consolalo. Tivemos que explicar que non era real. 

Como foi o proceso de casting?

Para The Once and Future Smash, escollemos a Michael e Bill inmediatamente, polo que o guión foi escrito pensando en eles. Xa fixeramos plans co noso amigo, AJ Cutler, que ten unha perna protésica, para metelo algún día nunha película de terror e cortarlle a perna. Michael tivo a terrible idea de que AJ interpretase un papel en End Zone 2, onde lle cortan a perna, e despois interpretar ao fillo do actor que tamén perdeu a súa perna dun xeito sospeitoso que quizais estaba relacionado co icónico papel do seu pai. . 

Sabiamos que AJ era talentoso e divertido, pero non tiña moita experiencia como actor. Falamos con el e decidimos arriscarnos e confiar nel para as dúas películas, o que era especialmente arriscado porque é unha especie de representante do público e corazón de The Once and Future Smash. Pensamos que quizais teriamos que gastar moito tempo e enerxía dirixíndoo para que obtivese as actuacións que queriamos, pero era absolutamente natural nos dous papeis, e preparou e trouxo todo o que queriamos, así que realmente non tiñamos que facelo. dirixir moito a súa actuación. Bill e Michael definitivamente sentiron un pouco como AJ roubou bastantes escenas!

Para End Zone 2, sabiamos que íamos rodar a película en moi pouco tempo: resultou ser seis días máis un día de recollida. Tamén sabiamos que queriamos que houbese moitas tomas moi longas para coincidir co estilo da época. No mundo de baixo orzamento dos anos 1970, non podían permitirse que o stock de películas fixese todo tipo de cobertura. Planeamos a rodaxe ao alugar unha casa en Lake Arrowhead con todos vivindo no set. Entón, todo isto significaba que necesitábamos actores consumados que entendesen o proxecto e estivesen de acordo cunha atmosfera discreta e familiar no plató onde todos se poñan onde poden con cousas como cociñar e limpar. Todas as persoas que participan na película (incluíndo nós) tamén están acreditadas cun pseudónimo, polo que requiriu unha total aceptación do proxecto para querer formar parte del.  

Realmente emitimos de amigos e amigos de amigos en lugar de usar calquera tipo de proceso de audición. Os membros do elenco eran todos marabillosos e coñecían as súas liñas por dentro e por fóra, polo que puidemos executar estas escenas de máis de 6 minutos sen cortes. 

Como foi rodar nun escenario de convencións?

Moi desafiante! Era ruidoso e caótico, e realmente non podíamos controlar nada. Tiñamos permiso para filmar, pero por suposto, era unha convención activa e tentamos minimizar o perturbador que eramos con todos os que nos rodeaban e na convención. A xente de Mad Monster Party e o hotel foron uns heroes absolutos para nós! Realmente tentaron darnos todo o que necesitábamos e apoiar o esforzo.

Tampouco podíamos permitirnos o luxo de levar xente a Carolina do Norte para papeis pequenos, polo que escollemos a maioría dos papeis máis pequenos na convención. Isto foi interesante porque ás veces era xente que coñecíamos ou persoas implicadas coa xestión do programa, e outras veces, especialmente cos nenos, era un pouco achegarse á xente e dicir: "Ei, queres estar unha película?" 

Ao escribir o guión, Michael tamén intentou minimizar a parte que tivo lugar no chan e na convención en xeral. Sabíamos que teriamos acceso a Bill e Michael por un tempo limitado, polo que calquera cousa que nos levase a outros personaxes que puidésemos filmar noutro lugar significaba máis tempo para facer as cousas ben coas escenas que necesitabamos na convención. 

Rodamos cos golpes practicamente. As escenas que non funcionaron foron cortadas na edición e os pallasos xogaron un papel moito máis importante do previsto.

Cando se filmou cada proxecto e en que orde? Que pasou para facer o estilo/vibe retro de End Zone 2?

End Zone 2 filmouse en decembro de 2019 e a parte da convención de The Once and Future Smash filmouse en febreiro de 2020. Despois da convención, houbo moitos retrasos e reformulacións debido ao COVID. Rematamos The Once and Future Smash no verán de 2022.

Para que End Zone 2 se sinta o máis auténtico posible, máis aló da coidadosa creación de Smash-Mouth, Sophia pasou moito tempo comprando roupa vintage e determinando o garda-roupa, o estilo e o deseño de produción. Buscamos o lugar axeitado para coincidir coa época e o estilo.

Pedimos ao elenco que estudase un estilo de actuación moi específico de principios dos anos 70 porque realmente queriamos ter actuacións honestas e serias, aínda que as circunstancias da película puidesen parecer unha tontería. Non queriamos facer un enfoque irónico a ningunha das End Zone 2. Enviamos referencias de actuación de terror como The Texas Chain Saw Massacre e Black Christmas, pero tamén pedimos ao elenco que botase unha ollada a principios dos anos 70. interpretacións naturais nas películas de Altman e Cassavetes. Fixemos referencia a 3 mulleres, Unha muller baixo a influencia, The Long Goodbye e Klute como exemplos do que buscabamos. 

Para os elementos técnicos, investigamos moito sobre o tipo de cámara e película que probablemente se usarían para unha película rexional de baixo orzamento desta natureza. Pensamos en mercar realmente a cámara específica e o stock máis próximo para filmar a película, pero despois de fixar o prezo, decatámonos de que teriamos que filmar dixitalmente. Sophia foi a directora de fotografía de End Zone 2. Escolleu o BlackMagic Pocket 4K porque ten un rango dinámico suficientemente amplo para capturar un aspecto fílmico e un sensor pequeno que está máis preto dun cadro de 16 mm que calquera cámara dixital de cine. Compramos moitas lentes vintage de 16 mm e fixemos unhas tomas de proba, pero finalmente optamos por mercar un zoom parfocal DZO. A lente non estivo dispoñible para a compra ata menos dunha semana antes da rodaxe. Afortunadamente, estabamos en Nova York e puidemos coller a lente da sala de exposicións. 

Durante a rodaxe, Sophia limitouse intencionadamente ao zoom manual para capturar as imperfeccións do traballo de cámara de baixo orzamento da época. Non queriamos que nada fose mal rodado intencionalmente, pero queriamos crear o mesmo tipo de obstáculos e limitacións que terían os cineastas nese momento. Para crear un aspecto máis fílmico, Sophia tamén utilizou potentes filtros Black Promist para mellorar o brillo e a floración das luces e os reflejos da imaxe.

Para a publicación, compramos unha gran variedade de paquetes de escaneo de grans de película e, finalmente, decidimos mesturar os nosos propios grans usando varias capas de escaneos de grans. Non había bucle nin unha solución simple de complementos que funcionase para nós. Durante a edición, Michael rompeu a estrutura da película e decidiu onde remataban as bobinas e onde se podían danar os elementos. Puxo diferentes grans en diferentes bobinas e engadiu danos nos extremos das bobinas e outras áreas con máis probabilidade de raiarse. Michael construíu marcas de referencia e colocounas co tempo e o espaciado dos cadros que se usaban na época. Para o audio, Michael tamén gravou a mestura de son final nun casete e dixitalizouno de novo, e mesturouno coa fonte para controlar a cantidade de ruído, wow e flutter. 

Michael tamén fixo ocasionalmente edicións intencionadamente imperfectas e colocou a Foley que coincidiría coa época. Tamén houbo un par de sinais de Foley que se silenciaron intencionalmente na película final, como se estivesen desaparecidos. Pensamos que este tipo de imperfeccións axudaban a adaptar a película á época e ao orzamento.

Como montaches a parte do cineasta/actor/taking heads das entrevistas do falso documental?

Cando Michael escribiu o guión, asignou liñas con tipos específicos de persoas en mente, pero co coñecemento de que algúns poderían non dicir que si a facer a película. Entón, tiñamos "personaxes" como "tipo Melanie Kinnaman" ou "tipo Mark Patton" no guión orixinal. O noso outro produtor, Neal Jones, foi realmente fundamental para lanzar esta parte. Os tres fixemos unha lista de persoas que pensamos que podían ser unha boa opción. Centrámonos no grupo de invitados que Neal tiña no seu podcast e na xente que coñecía por hospedar paneis en convencións e outro tipo de cousas similares. Neal comezou a achegarse á xente. Explicoulles o concepto e o que lles estaríamos pedindo. Algúns estaban nerviosos sobre como poderían saír nun falso documental, pero moitos saltaron directamente a bordo! Neal era moi querido por esta xente, e confiaban en que non intentase retratar a ninguén con mala luz nin nada parecido. 

Unha vez que os individuos foron reservados, repasamos o guión e determinamos que liñas poderían ser boas para eles. Os tres tamén fixemos unha chuvia de ideas sobre material adicional facendo referencia ao seu traballo e personaxes específicos. Rodámolos desde 2019 ata os últimos días antes da entrega da estrea do noso festival no verán de 2022. A medida que nos achegamos ao final, o noso editor de The Once and Future Smash, Aaron Barrocas, tamén suxeriu material para as entrevistas que podería cubrir ocos. , engadir chistes ou mellorar o contexto. Foi moi útil poder ver os cortes aproximados e despois tirar pezas adicionais para resolver problemas e cubrir ocos. 

Só pasamos pouco tempo con cada unha das cabezas que falaban, pero realmente todos fixeron un traballo marabilloso comprometéndose co concepto e celebrando o proxecto. Estabamos moi emocionados de poder compartir a película con moitos deles na estrea de LA. Estabamos nerviosos por como podían reaccionar, pero moi contentos de que todos eles parecían gozar da película e sentirse ben por como os retratamos. Ese foi sempre o noso obxectivo: celebrar a esta xente, criamos mirando e admirando. 

Hai moitas bromas e referencias de franquías de terror en The Once And Future Smash. Como fixeches todo iso?

Somos grandes fans do terror e realmente queriamos que isto fose unha celebración da historia do terror. Cando Michael escribía, intentou atopar o equilibrio entre as bromas que funcionarían para un público amplo e as bromas profundas que recompensarían aos espectadores que saben realmente sobre o terror. Alguén preguntounos cantas referencias hai nas dúas películas, e definitivamente perdemos a conta, pero é moito! 

Cando Aaron estaba editando, tamén fixo un gran traballo controlando o ton e cortando chistes que non funcionaban ou se sentían demasiado escuros. Aaron tamén engadiu algunhas bromas visuais: cousas como o tempo de chyron como un remate. 

Haberá unha End Zone 3? Veremos máis Smash-Mouth algún día?

Temos moitas ideas para as películas que nos gustaría facer, polo que non tendemos a volver aos proxectos, pero hai algo especial para nós sobre o universo de End Zone. Pensamos en facer o remake de End Zone 1 ou en End Zone 3D, pero todo dependerá do éxito económico das películas actuais. En resumo, se hai unha demanda de máis que xustifique o orzamento, imos facer máis!

Sendo un falso documental, cal foi o nivel de diálogo de improvisación e guión?

Como comentabamos, o concurso de disfraces foi totalmente espontáneo. Se non, en realidade hai moi pouca mellora na película. Dixémoslles a todos os xefes que falaban que podían repetir as liñas ou reformulalas, así que un pouco diso pasou aquí e alí. Como exemplos, Jared Rivet presentou algúns dos títulos de películas de vinganza de fútbol que marcaron o corte, e James Branscome divertiuse engadindo chistes de Vietnam a case todas as súas liñas.  

Hai unha data de lanzamento/distribuidor para TOAFS e End Zone 2?

Levamos case un ano conversando cos distribuidores e recibimos moitas ofertas, pero estivemos buscando unha garantía por adiantado que cubra os pequenos orzamentos das dúas películas. O mercado é tal agora que a maioría dos distribuidores teñen medo a asumir riscos, especialmente para un proxecto pouco común como este. Entón, o máis probable é que traballemos cun agregador e fagamos unha autoestrea da película este outono. Este foi un camiño exitoso para nós no pasado, e non temos receo por adoptar este enfoque. Tamén significa que realmente seremos capaces de controlar a película e determinar a mellor forma de compartila co mundo. Aínda non hai data fixada para o lanzamento.

En que traballades os dous agora?

Sophia será a directora de fotografía de varias longametraxes de xénero que se rodarán entre agora e finais de ano que aínda non foron anunciadas publicamente, e Michael estivo escribindo para as próximas longametraxes, Manicorn (dir. Jim McDonough) e A Hard Place (dir. . J. Horton). Os dous tamén estivemos a traballar na nova película de Matt Stuertz, Wake Not the Dead, que vai ser unha marabilla! 

Tamén estamos sempre facendo malabarismos cos nosos propios proxectos para ver que recursos afloran para dar vida ao seguinte. Cos dedos cruzados, podemos dicir que estivemos desenvolvendo un misterio de asasinato que esperamos facer este inverno con Sophia dirixindo e Michael escribindo e producindo.